Après le cinéma et le rap, RadiKult’ se penche cette fois sur l’histoire du pop-art, dont les manifestations artistiques ont donné un nouvel élan à l’art contemporain. En voici le premier chapitre.
Le pop-art est né dans les années 1950 en Grande-Bretagne et s’est ensuite rapidement propagé aux États-Unis. Il s’est développé dans un contexte de bouleversements sociaux et culturels après la Seconde Guerre mondiale. La montée de la culture de consommation, l’essor de la publicité et l’influence croissante des médias ont joué un rôle déterminant dans la naissance de ce mouvement artistique. Le pop-art a cherché à briser les barrières entre l’art « élitiste » et la culture populaire, en utilisant dans ses créations des images et des thèmes tirés de la vie quotidienne, en déclinant l’ordinaire dans le geste artistique.
Le pop-art a émergé comme une réponse à l’abstraction expressionniste dominante à l’époque, offrant une approche plus accessible et « démocratique ». Les artistes associés à ce mouvement ont embrassé les techniques de production de masse et ont souvent utilisé des méthodes comme la sérigraphie pour créer leurs œuvres. Ils ont également été influencés par les mouvements d’avant-garde européens, tels que le dadaïsme, qui remettaient en question les conventions artistiques traditionnelles. Ainsi, le pop-art s’est employé à refléter la réalité de la vie moderne et à engager un dialogue nouveau avec le public, parfois tenu éloigné des disciplines artistiques en raison de leur hermétisme.
Naissance et évolution du mouvement
Le pop-art a trouvé son premier souffle en Grande-Bretagne, au milieu des années 1950, avant de gagner en popularité aux États-Unis dans les années suivantes, et en particulier dans les sixties. Les artistes britanniques ont d’abord utilisé le terme « pop » pour décrire leur travail, qui était une abréviation de « popular art ». Aux États-Unis, comme nous l’avons vu, le mouvement a été influencé par la culture de consommation de masse ; les artistes ont alors commencé à utiliser des images de la publicité, des bandes dessinées et des objets quotidiens dans leurs œuvres. Le pop-art n’a pas tardé, de par sa nature, à remettre en question les notions traditionnelles d’art. Il a contribué à éliminer, ou en tout cas à estomper, la distinction entre l’art « élevé » et l’art « bas », en donnant à ce dernier ses lettres de noblesse, en y apportant une sophistication encore insoupçonnée.
Des expositions majeures à la fin des années 1950 et au début des années 1960, comme « This Is Tomorrow » à Londres, ont contribué à populariser le mouvement. Aux États-Unis, des artistes comme Andy Warhol et Roy Lichtenstein, sur lesquels nous reviendrons amplement, sont devenus des figures emblématiques de ce courant artistique, chacun œuvrant avec sa propre sensibilité et une approche unique. Warhol s’est toujours montré fasciné par la célébrité et la culture de consommation, tandis que Lichtenstein a été inspiré par les bandes dessinées et la publicité, qu’il restituait à sa manière dans son travail. Ensemble, ces artistes ont redéfini, touche par touche, ce que l’art pouvait représenter à l’ère moderne.
R.P.
RadiKult' 
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